Poucos músicos brasileiros ampliaram tanto as fronteiras entre música erudita, popular, jazz e tradições regionais quanto Egberto Gismonti. Compositor, pianista, violonista, arranjador e multi-instrumentista, construiu ao longo de mais de cinco décadas uma obra que desafia classificações. Embora seja frequentemente lembrado pelo virtuosismo ao violão de 6, 8, 10, 12 e 14 cordas, o piano está na origem de sua formação e permanece como um dos instrumentos fundamentais para compreender sua linguagem.
Biografia
Gismonti nasceu em 5 de dezembro de 1947, em Carmo, no interior do estado do Rio de Janeiro, em uma família de músicos. Começou a estudar piano ainda criança, aos seis anos, e posteriormente ampliou sua formação para instrumentos como flauta, clarinete e violão. No Conservatório de Música de Nova Friburgo, estudou piano com Jacques Klein e Aurélio Silveira, desenvolvendo uma sólida formação tradicional.
Essa formação seria decisiva para definir o músico que surgiria nas décadas seguintes, em que Gismonti buscaria romper os limites entre os conhecimentos adquiridos na tradição europeia e as múltiplas manifestações musicais encontradas no Brasil.
Um dos momentos fundamentais de sua trajetória aconteceu no final dos anos 1960. Em 1968, Gismonti participou do III Festival Internacional da Canção com “O Sonho”, defendida pelo grupo Os Três Moraes, e seguiu para a Europa, onde trabalhou como arranjador e regente da orquestra que acompanhava a cantora francesa Marie Laforêt e realizou uma apresentação no Festival de San Remo, na Itália. Também em 1969 lançou seu primeiro álbum, Egberto Gismonti.
Na França, estudou composição, análise e orquestração com dois nomes de enorme importância para a música do século 20: Nadia Boulanger e Jean Barraqué, compositor ligado à tradição da música serial e profundamente influenciado por Anton Webern. A experiência parisiense aprofundou seu conhecimento da música contemporânea europeia, mas também contribuiu para uma tomada de consciência sobre a própria identidade musical.
De volta ao Brasil, o compositor passou a mergulhar cada vez mais nas manifestações populares e folclóricas do país. Choro, samba, baião, frevo, música indígena e diferentes tradições regionais passaram a conviver com elementos da música de concerto e do jazz. O resultado não foi uma simples fusão de estilos, mas uma linguagem própria, na qual diferentes referências podiam coexistir dentro da mesma composição.
O piano como ponto de partida
Antes de se tornar conhecido internacionalmente como violonista, Gismonti era essencialmente um músico formado no piano. Essa origem ajuda a compreender uma característica recorrente de sua produção: a busca por uma sonoridade ampla, frequentemente polifônica, capaz de sugerir simultaneamente linhas melódicas, baixos, acordes e movimentos rítmicos.
O próprio desenvolvimento de seus violões de muitas cordas pode ser relacionado a essa busca. Ao ampliar a extensão do instrumento, Gismonti procurava transportar para o violão algumas das possibilidades de registro e de simultaneidade que conhecia no piano.
Por isso, estudar o Gismonti pianista significa também compreender o pensamento musical que posteriormente se manifesta em seus violões. A mão esquerda com função estrutural, a sobreposição de vozes, a utilização de ostinatos, a construção de ambientes sonoros e a liberdade improvisatória são elementos que atravessam sua produção instrumental.
O piano na obra de Gismonti
No início dos anos 1970, Gismonti ainda transitava entre a canção e a música instrumental. Um dos registros importantes desse período é Água e Vinho, de 1972, realizado em parceria com o poeta Geraldo Carneiro. O álbum pertence a uma fase em que a relação entre música e poesia ainda tinha papel importante em sua produção. Pouco depois, porém, a música instrumental passaria a ocupar espaço cada vez maior.
Academia de Danças, gravado em 1974, representa um ponto decisivo nesse processo. O álbum reúne piano, piano elétrico, violão, flauta indígena, sintetizador e órgão, entre outros instrumentos, em uma produção que evidencia a amplitude da pesquisa sonora de Gismonti.
Mais do que um disco de transição, Academia de Danças revela um compositor interessado em utilizar o estúdio e os instrumentos disponíveis como parte da própria composição. O piano deixa de ser apenas uma base harmônica e passa a integrar uma arquitetura sonora mais complexa.
A consolidação internacional veio com a parceria com o percussionista Naná Vasconcelos. Dança das Cabeças, gravado em 1976 e lançado internacionalmente pela ECM em 1977, se tornou um dos registros mais importantes da carreira de Gismonti. O álbum recebeu o German Record Critics Prize como Álbum do Ano. O encontro com a ECM também estabeleceu uma relação duradoura. Entre 1977 e 1995, Gismonti realizou diversos trabalhos para o selo alemão, se tornando um dos principais artistas brasileiros associados à gravadora.
Em Sol do Meio-Dia, de 1978, o piano aparece integrado a uma formação que reúne Naná Vasconcelos, Ralph Towner, Collin Walcott e Jan Garbarek. O álbum foi inspirado pela experiência de Gismonti junto aos povos do Xingu e apresenta uma abordagem que combina piano, violão de oito cordas, percussão, kalimba, flautas e outros timbres.
Aqui, o piano não precisa ocupar permanentemente o primeiro plano para ser estrutural. Ele funciona como elemento de sustentação, contraponto e expansão harmônica dentro de uma música em que timbre, espaço e ritmo possuem importância equivalente à melodia.
Lançado em 1979, Solo é particularmente significativo para quem deseja conhecer o Gismonti instrumentista. O álbum reúne o músico tocando piano em faixas como “Ano Zero”, “Frevo” e “Ciranda Nordestina”, além de violão de oito cordas, voz, surdo e sinos, entre outros recursos. O título poderia sugerir um disco exclusivamente pianístico, mas a proposta é mais ampla. O interesse está justamente na capacidade do músico de construir uma narrativa praticamente sozinho, alternando instrumentos e recursos de acompanhamento.
Para o pianista, entretanto, Solo oferece uma perspectiva importante: revela como Gismonti pensa textura, dinâmica e espaço quando não precisa se apoiar em uma banda convencional. A ideia de acompanhamento e melodia pode se fundir, enquanto padrões repetitivos criam uma espécie de base sobre a qual surgem linhas improvisadas.
Outro momento fundamental para o piano aparece em Mágico, gravado em 1979 com Charlie Haden, no contrabaixo, e Jan Garbarek, nos saxofones. O álbum foi lançado pela ECM em 1980 e apresenta Gismonti identificado oficialmente como guitarrista e pianista. A formação reduzida permite observar uma característica central de seu trabalho: a capacidade de ocupar espaço sem necessariamente preenchê-lo. O piano pode sugerir movimento harmônico com poucas notas, responder ao saxofone, dialogar com o baixo ou assumir uma função rítmica.
Essa economia é importante porque contrasta com a imagem de Gismonti como virtuose. Seu virtuosismo não depende apenas da quantidade de notas ou da velocidade. Está também na capacidade de organizar diferentes camadas musicais e alternar densidade e silêncio.
Durante os anos 1980, Gismonti continuou explorando novas possibilidades instrumentais e tecnológicas. Circense, gravado naquele ano, traz o músico ao piano, piano elétrico, órgão, violão, flauta e voz, acompanhado por nomes como Mauro Senise e Robertinho Silva.
Essa multiplicidade de funções revela outra característica de seu pensamento: o instrumento é escolhido de acordo com a necessidade expressiva da composição. O piano acústico, o piano elétrico, o órgão e os sintetizadores podem ocupar papéis diferentes dentro da mesma concepção musical. Essa abertura para a tecnologia também aparece em trabalhos posteriores, nos quais Gismonti amplia a paleta sonora e utiliza recursos eletrônicos para construir texturas de caráter orquestral.
Um dos exemplos mais claros dessa concepção está em Meeting Point, gravado em 1995 e lançado pela ECM em 1997. O álbum reúne Gismonti ao piano e a Lithuanian State Symphony Orchestra, sob regência de Gintaras Rinkevičius. O repertório inclui obras como “Música para Cordas”, “Frevo”, “A Pedrinha Cai” e “Eterna”. Nesse contexto, o piano assume uma dimensão diferente daquela encontrada nos trabalhos solo ou em pequenos grupos. Ele passa a dialogar diretamente com uma formação sinfônica, colocando em evidência a dimensão composicional de sua obra.
A relação entre o pianista e a orquestra também reforça uma característica presente desde sua formação: Gismonti não separa rigidamente o compositor do instrumentista. A escrita nasce do conhecimento do instrumento, mas pode ultrapassá-lo e ganhar dimensões camerísticas ou sinfônicas.
Legado
O legado de Egberto Gismonti para o piano não está restrito a um conjunto de peças ou gravações. Ele está, sobretudo, na possibilidade de pensar o instrumento a partir de uma perspectiva brasileira e contemporânea. Ele demonstrou que a formação clássica não precisa conduzir necessariamente ao repertório tradicional europeu. O conhecimento de harmonia, contraponto, orquestração e técnica pianística pode servir como ponto de partida para investigar ritmos, modos, timbres e formas provenientes de diferentes culturas.
Sua música também ampliou a ideia do que significa ser pianista no Brasil. Em sua trajetória, o piano convive com violões de múltiplas cordas, percussão, flautas indígenas, kalimbas, sintetizadores e instrumentos elétricos. Essa visão influenciou músicos de diferentes gerações. Sua obra passou a ser reinterpretada por outros instrumentistas e compositores, entre eles Delia Fischer e André Mehmari, demonstrando que seu repertório continua oferecendo material para novas leituras. Em 2017, a UNIRIO concedeu a Gismonti o título de Doutor Honoris Causa, reconhecendo sua contribuição artística e cultural.
Mais do que um virtuose, Gismonti se tornou um pesquisador permanente das possibilidades da música. E é justamente aí que seu legado para o piano permanece mais forte. Seu instrumento não aparece apenas como veículo para executar uma composição, mas como laboratório para investigar harmonia, ritmo, textura, improvisação e timbre.
Para estudantes e pianistas, sua obra oferece uma lição particularmente atual: conhecer profundamente a técnica pode ser o ponto de partida para ultrapassá-la. Entre a tradição europeia, as raízes brasileiras, a música contemporânea, o jazz e a experimentação, Egberto Gismonti construiu uma linguagem na qual o piano deixa de ser apenas um instrumento de acompanhamento ou de concerto e passa a funcionar como uma verdadeira plataforma de invenção.
É essa capacidade de transformar formação em pesquisa, técnica em linguagem e referências diversas em identidade que faz de Gismonti uma das figuras fundamentais para compreender não apenas o piano brasileiro, mas a própria diversidade da música brasileira contemporânea.
E você? Já explorou o piano de Egberto Gismonti? Mais do que conhecer sua trajetória, ouvir e estudar sua obra é uma oportunidade de descobrir novas possibilidades de harmonia, ritmo, textura e interpretação ao piano. Escolha uma de suas composições, observe como Gismonti constrói as diferentes camadas musicais e experimente levar essas ideias para a sua própria prática.
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